jueves, 31 de diciembre de 2009

Feliz año a todos y todas 2010

En estas fechas tan señaladas, como todos los años, la "reina" y yo queremos desearos a todos los lectores del blog un dichoso feliz 2010. Deseamos que todos podamos salir de esta crisis que aguza a todo el planeta, que nos sintamos con fuezas para poder levantarnos por la mañana y hacer de este mundo un lugar mejor. Una sonrisa o un abrazo a primera hora dice mucho de cómo será el día.
Es importante apoyarnos unos a otros e irnos a la cama por la noche con la satisfacción de un trabajo bien hecho.
Mis mejores deseos para este 2010. Hagamos que con salud y trabajo todo sea menos duro y ayudemos a nuestros semejantes en lo que podamos. Tenemos que creer en ello.

Os dejo con la canción del año. Personalmente me gusta mucho.

lunes, 28 de diciembre de 2009

Shakira "Lo hecho está hecho"

Hace ya años que llevo escuchando a esta mujer, ese pop un tanto comercial y pegadizo, pero me sigue gustando y no empalaga tanto como otros grupos. Quizá sea esa su virtud. Se nota cierta evolución pero en este caso no para empeorar.
Del nuevo disco, más que "La loba" yo destacaría esta canción. El videoclip me gustó bastante: esa lucha "sexual" entre el hombre y la mujer mediante unos movimientos y coreografía propia de gimnasia rítmica o los mimos dan un gran efecto así como la confesión en una "sauna"? hacia sus "amigas" de lo ocurrido.
Sin más os dejo el vídeo y espero que disfrutéis de él así como de la canción.
Felices Navidades a todos.

viernes, 25 de diciembre de 2009

Van Eyck

Jan van Eyck (Maaseyck 1390 - Brujas, 1441)

Jan van Eyck, pintor fundador de la antigua escuela flamenca. Procedía de Maaseyck, pequeña ciudad a orillas del Mosa, cerca de Maestricht.

De 1422-1424 estuvo como pintor y ayudante de cámara en la corte de Juan Baviera en La Haya, y después de la muerte del príncipe, entró al servicio del duque Felipe el Bueno de Borgoña, el cual, en 1425, le nombró pintor de la corte y camarero, con un sueldo anual de 100 libras. Felipe le hizo emprender varios viajes, en 1426, 1428-1429 y en 1436, por asuntos diplomáticos y particulares.

En el 1428 acompañó a la embajada borgoñona, enviada a Portugal, para llevar a cabo el casamiento de Felipe con la princesa Isabel, cuyo retrato pintó Van Eyck y fue remitido a Borgoña. En este viaje conoció la vegetación meridional que aparece con frecuencia representada en los fondos de paisaje de sus cuadros. Murió en Brujas el 9 de julio de 1440.

Tenía un hermano también famoso por ser un gran pintor: Hubert Van Eyck. Se poseen muy pocos datos de su vida; se sabe sólo con seguridad que en 1421-1422 se hizo inscribir en Gante en la cofradía de la Virgen de los Dolores. Jodoco Wydt, un rico gantés, le encargó entonces el gran retablo de La adoración del cordero, que dejó sin terminar por haberle arrebatado la muerte el 18 de septiembre de 1426: fue enterrado en la cripta de San Bavón de Gante.

Muchos críticos parecen considerar la aparición de estos dos maestros como un fenómeno de generación espontánea y, sin embargo, la eclosión de estos dos genios, por brusca que parezca, es el resultado de una larga evolución anterior.

Para tratar a fondo el problema relativo a la edad de ambos hermanos, preciso es conocer la obra famosa entre todas que cimentó su gloria, esto es, el retablo de la iglesia de San Bavón de Gante. Este políptico, el más grande de cuantos de han consagrado a la representación de una idea cristiana, bastaría para legitimar la reputación de los dos hermanos, aunque hubiese desaparecido el resto de su producción.

Signo de la diferenciación de la obra de ambos hermanos es el modo de pintar las vestes, ejecutadas siempre con pasta en los que deben atribuirse a Hubert y con veladuras en los auténticos de Jan. Atendiendo a estas características, el tríptico de Dresde habría que atribuirlo a Hubert; la Virgen llamada del canónigo Van der Paele está firmada por Jan.

En el Museo del Prado de Madrid existe un cuadro titulado "El triunfo de la Iglesia sobre la Sinagoga", atribuido por unos a Hubert y por otros a Jan.

De Jan van Eyck se conservan algunos cuadros, varios de ellos firmados: La Virgen y el Niño; los retratos de Arnolfini y de su esposa; el retrato canónigo Juan de Leeuw, Virgen llamada del canónigo vander Paelen…

En este caso, hemos adjuntado esta pintura llamada "La virgen con el Canciller Rolin" donde una vez más se puede contemplar la minuciosidad y el detalle de lo que llegó a ser la escuela flamenca. Su geometría es perfecta así como su color intenso (véase el vestido de la virgen, color rojo muy abigarrado). Personalmente, me encanta el suelo, gran recurso a la hora de provocar la tridimensionalidad.

Espero que lo disfrutéis. Saludos

lunes, 14 de diciembre de 2009

La retórica clásica y sus figuras

La retórica antigua nace en la Grecia clásica en el s.V a.C (se dice que los creadores de ella pudieran ser oriundos de la zona de Sicilia). En sus orígenes, fue eminentemente política, sobre todo por las circunstancias en las que se encontraba Atenas a partir del 480 a.C., época de profundas renovaciones tras la ruina de Atenas y el Atica con la invasión de los persas.
En este contexto, poco a poco, durante la llamada Pentecontecia (periodo de cincuenta años que comprende el término de las Guerras Médicas y comienzo de las del Peloponeso), Atenas se convierte en el foco cultural más importante del Mediterráneo, foco que acoge a muchos foráneos con ansias de exponer sus ideas. Así surge el movimiento sofista y el fenómeno de las figuras retóricas, figuras que servirán para embellecer el discurso, para embelesar, para persuadir.

Se atribuye a Córax y a su discípulo Tisias la codificación de las primeras normas para esas redacciones, y, por lo tanto, la paternidad de la Retórica.
Para Córax y Tisias, el principio en que se basaba era que lo que parece verdad es más importante que lo que es verdad (relativismo sofista). La Retórica es, pues, en los orígenes, un arte pragmático cuya única eficacia y valor se sustenta en sus efectos prácticos: convencer.
Gran parte de las opiniones que sobre la Retórica se han vertido en el último par de milenios, están condicionadas por esa deliberada preterición de la verdad, en aras de la apariencia, por lo que "retórica", es una palabra cargada de connotaciones negativas, a pesar de Aristóteles o Cicerón, contrarios al principio establecido por Córax y Tisias.
Por otra parte, desde un punto de vista estrictamente formal, el abandono de los estudios retóricos se debió en parte a que "retórica", se convirtió en sinónimo de "mala retórica": técnica, artificio, ornamento, mero formalismo: "No me venga usted con retóricas" le decimos a quien hace sofisterías o aduce razones que no vienen al caso.
El primer autor del que poseemos textos sobre temas retóricos es el sofista Gorgias de Leontinos (circa 483-380). Fue Gorgias quien distinguió entre los varios tipos de discursos, y también el primer identificador de las "figuras".

Se pueden dividir las figuras retóricas en cuatro grupos:

1 figuras de significación o tropos: antítesis y oxímoron, antonomasia, comparación o símil, concepto, eufemismo, hipérbole y lítotes, ironía, metáfora, metonimia y sinécdoque, paradoja, personificación, sinestesia.

2 figuras de dicción, que afectan a la composición de la palabra: calambur, metátesis, paragoge, paronomasia.

3 figuras de repetición: anáfora, apóstrofe, clímax y anticlímax, exclamación, interrogación, onomatopeya.

4 figuras de construcción, que afectan a la estructura sintáctica: anacoluto, asíndeton y polisíndeton, hipérbaton, pleonasmo, quiasmo, zeugma

Como podemos observar, los étimos de estas figuras son helenos en su mayor parte. Conociendo sus étimos, tenemos mucho terreno ganado a la hora de poder comprenderlas.
Vamos a ver ejemplos y definiciones de los más importantes y que todo alumnos de bachillerato debe conocer:

RECURSOS FÓNICOS

ALITERACIÓN

Repetición de un sonido o grupo de sonidos, de una manera clara, en un verso, una estrofa o una frase.

El ruido con que ronca la ronca tempestad. (José Zorrilla)


ONOMATOPEYA

Se produce cuando la aliteración pretende imitar sonidos o ruidos de la realidad.

En el silencio sólo se escuchaba

Un susurro de abejas que sonaba. (Garcilaso de la Vega)


PARONOMASIA

Uso de palabras de pronunciación muy parecida que, al combinarse, originan sorprendentes modificaciones del significado.

Presa del piso, sin prisa,

Pasa una vida de prosa. (Miguel de Unamuno)


RECURSOS SINTÁCTICOS

ANÁFORA

Repetición de una o más palabras al principio de un verso o de una frase.

Dime, dime el secreto de tu corazón virgen,/ dime el secreto de tu cuerpo bajo tierra. (Vicente Aleixandre)


ASÍNDETON

Omisión deliberada, con fines rítmicos o estéticos, de los enlaces que unen palabras u oraciones.

Acude, corre, vuela,

traspasa el alta sierra, ocupa el llano. (Fray Luis de León)


ELIPSIS

Supresión de alguno de los elementos de una frase.

Por una mirada, un mundo;

por una sonrisa, un cielo:

por un beso ... ¡Yo no sé qué te diera por un beso! (Gustavo Adolfo Bécquer)


ENUMERACIÓN

Acumulación de palabras para describir un lugar, un objeto...

El sosiego, el lugar apacible, la amenidad de los campos, la serenidad de los cielos, el murmurar de las fuentes, la quietud del espíritu, son grande parte para que las musas más estériles se muestren fecundas...
(Miguel de Cervantes)

HIPÉRBATON

Consiste en alterar el orden normal de las palabras en un enunciado.

Era del año la estación florida... (Luis de Góngora)


PARALELISMO

Repetición de una misma estructura a lo largo de dos o más versos, enunciados, etc.

Los suspiros son aire y van al aire,

las lágrimas son agua y van al mar... (Bécquer)

PERÍFRASIS

Rodeo para expresar algo que se puede decir de una manera más breve.

... v a toda prisa entraba el claro día. (amanecía). (Alonso de Ercilla)


PLEONASMO

Utilización de palabras innecesarias para intensificar la sensación que quiere expresarse.

Temprano madrugó la madrugada... (Miguel Hernández)

POLISÍNDETON

Reiteración o multiplicación de los nexos conjuntivos.

Hay un palacio y un río,

y un lago y un puente viejo... (Juan Ramón Jiménez)

REDUPLICACIÓN
Repetición inmediata de una palabra.

Me voy, me voy, me voy, pero me quedo. (Miguel Hernández)


RECURSOS SEMÁNTICOS


ANTÍTESIS O CONTRASTE

Consiste en contraponer dos palabras o ideas de significado contrario.


Y es justo en la mentira ser dichoso

quien siempre en la verdad fue desdichado. (Juan Boscán)


Yo velo cuando tú duermes, yo lloro cuando tú cantas. (Cervantes)

APÓSTROFE

Invocación a una persona o a un ser inanimado.

Para y óyeme, ¡oh sol!, yo te saludo. (Espronceda


COMPARACIÓN O SÍMIL

Relación de semejanza entre un término real y otro imaginado que aparecen unidos por una partícula.

¡Cuánta nota dormía en sus cuerdas

como el pájaro duerme en las ramas! (Gustavo Adolfo Bécquer)


EPÍTETO

Adjetivo explicativo, innecesario y que destaca una cualidad que ya está implícita en el nombre al que acompaña; suele ir antepuesto.

Por ti la verde hierba, el fresco viento,

el blanco lirio y colorada rosa.. (Garcilaso de la Vega).


HIPÉRBOLE

Exageración de la realidad, destinada a engrandecer o empequeñecer el concepto que se expresa.

La cama tenía en el suelo y dormía por lado por no gastar las sábanas.(Quevedo)

IRONÍA


Afirma lo contrario de lo que se quiere dar a entender.

Comieron una comida eterna, sin principio ni fin. (Quevedo)


METÁFORA

Identificación de dos términos, uno real y otro imaginario. Esta identificación se fundamenta en la semejanza entre ambos términos.

Riánse las fuentes

tirando perlas (=gotas de agua)

a las flor ecillas

que están más cerca. (Lope de Vega)


METONIMIA

Sustitución del nombre de una cosa por el de otra con la que guarda una relación de proximidad.

Un Picasso (en lugar de un cuadro de Picaso)

Una forma especial es la sinécdoque, que consiste en nombrar la parte por el todo o el todo por la parte:

conceder la mano; cabeza (por hombre).

PARADOJA

Formulación de una contradicción aparente.

Muriendo naces y viviendo mueres. (Quevedo)


PROSOPOPEYA (PERSONIFICACIÓN)

Atribución de cualidades humanas a seres inanimados.

La noche llama temblando al cristal de los balcones... (Federico García Lorca)


SINESTESIA

Atribución de las cualidades propias de un sentido a otro.

Cuando el silencio clarea se escuchan los oscuros presagios.
(Mía Couto)

¡Qué tranquilidad violeta! (Juan Ramón Jiménez)

lunes, 23 de noviembre de 2009

Mikel Erentxun

No sería justo tratar a Mikel en solitario sin decir nada de sus inicios en la música junto al grupo Duncan Dhu, grupo que ha pasado a formar parte de los clásicos del pop de nuestro país de la década de los 80.

Mikel Erentxun comienza su andadura en grupo al cual llamarán Duncan Dhu.
En 1984 Mikel Erentxun, junto a Diego Vasallo y Juan Ramón Viles darán vida al grupo cuyo nombre extrane de un personaje de Robert Louis Stevenson, Duncan Dhu.

En Febrero del 85 firman su primer contrato discográfico con la compañía G.A.S.A y grabando dos singles "Mi Amor" y "Bésame".

Ese mismo año se pública un breve pero sugestivo primer minielepé “Por Tierras Escocesas”, seis canciones, y los primeros rasgos físicos de trío. El single "Casablanca" sirvió como tema de debut oficial.

En 1986 Duncan Dhu se consolidan con su segundo álbum “Canciones” éxitos como Cien gaviotas" o "Esos ojos negros" ocuparon mucho tiempo el número 1 en radio. Hicieron una gira de mas de 60 conciertos, y las ventas del disco se dispararon con mas de 200.000 ejemplares vendidos.

En 1988 llega su disco “El grito del Tiempo” anecdótico comentar que traia como novedad que era uno de los primeros disco españoles que se editaba en formato CD.

Tras su primer single "En algún lugar", le siguieron: "Una calle de parís" o "La barra de este hotel", alcanzando los 375.000 discos vendidos.

Con este disco ya empezaron la promoción en Latinoamérica en concreto México.

En 1989 se produciría el suceso más importante de su trayectoria hasta la fecha, las sucesivas desavenencias de Mikel y Diego con Juanra hacen que este abandone el grupo. En medio de la vorágine, y antes de que Mikel y Diego se marchen a Londres a grabar su álbum más trascendental. GASA decide rescatar las caras B y inéditos y publicar "Grabaciones Olvidadas."

En este mismo año (Octubre-89) se publica "Autobiografía" (Primer disco doble en estudio, de un grupo español). En el participan The Atractions (Elvis Costello), Brynsley Swchartz, Bob Andrews, Nick Love y demás luminarios de la new wave Británica.

A los primeros singles "Entre salitre y sudor" y "Rozando la eternidad", le siguió "Rosa gris", el primer tema cantado por Diego.

En 1990 Duncan Dhu se presenta como un grupo consagrado de la música pop española. Asi pues el prestigioso sello Creation edita un recopilatorio seleccionado por Alan McGee (descubridor de Oasis) con los mejores temas del grupo.

Fue un año muy agitado para ambos Diego retoma la producción y autoría de las letras para otros grupos.

Mikel también escribe Hojas secas para Miguel Bosé y debuta como actor con la película "El Anónimo".

Duncan Dhu comienza su primera gira U.S.A. y son nominados cómo "Mejor grupo Pop latino" en los premios Grammy´s.

Duncan Dhu incluye un tema en la banda sonora del film de Madonna "Dick Tracy".

El sello Sire edita en EEUU "Autobiografía" con algún tema en Ingles. Tambien en Bélgica y Holanda se edita a través de Les Disques du Crépuscule la versión inglesa de "El grito del tiempo".

La cantante belga Isabel Antena graba una versión del "Río del silencio".

Tras el éxito del disco en Europa Duncan Dhu participan en el Festival de Non (Suiza) actúan en París con Lloyd Cole y Big Audio Dynamite y hacen una gira promocional por Italia. En España realizan una gira de más de 100 conciertos Finalmente editan el doble LP en Japón por JVC.

A finales de 1991 Diego decide pasar a la acción, con su proyecto musical "Cabaret pop", adelantándose a la publicación del nuevo disco de Duncan Dhu "Supenova". Un disco donde destacan sonidos y mezclas propias de la música de baile, "Mundo de cristal" y "La casa azul", fueron sus primeros éxitos.

Ese mismo año son invitados para actuar en la gala de entrega de los premios " Music Awards" en Londres, junto entre otros , Doobie Brothers, Faith no More , Roxette y Pete Townsed.

En 1992 Viajan a Nueva York con la S.G.A.E, para participar en el New Music Seminar en representación española junto a Luz Casal, y actúan en el Central Park.

Sus carreras en solitario siguen paralelas publicando Diego su segundo trabajo "Realidad virtual del rock & roll", (Disco de Oro). Y meses más tarde hace lo mismo Mikel, publicando su primer disco en solitario "Naufragios"(Disco de Platino).

Actúan en la EXPO-92 de Sevilla, batiendo todos los récord ante más de 100.000 personas. Tras el éxito de su disco en Europa inician una gira por Alemania, Suiza, y Bélgica.

En 1993 Diego empieza su primera gira por toda España. Mientras Mikel realiza más de 60 conciertos presentando su primer disco recorriendo incluso Portugal, México y Chile. Su canción "A un minuto de ti" fue nominada como mejor canción del año en los premios "Un año de Rock".

Después de tres años de silencio discográfico como Duncan Dhu, cuando muchos aseguraban que se habían separado en Abril del 94 aparece "Piedras". Grabado a caballo entre Londres y Madrid, el disco, vuelve a los esquemas de Autobiografía.

Por primera vez Mikel y Diego cantan dos temas a dúo "Capricornio" y "A tu Lado". En 1995 celebran su décimo Aniversario, con la grabación de un disco en directo, rodeado de amigos, en San Sebastián en el "Teatro Victoria Eugenia".

Un disco que además sirvió de broche a una etapa musical y dejaba en pausa a Duncan Dhu para continuar sus proyectos en solitario.

En 1998 Mikel edita "El abrazo del erizo" y "Acróbatas" (Disco de Oro) y mientras Diego otros dos discos "Diego Vasallo y El cabaret pop" y "Criaturas"

En Junio de este año se plantea la edición de un recopilatorio de Duncan Dhu y en Septiembre Viajan a las landas francesas para grabar y mezclar en los estudios "Du Manoir" 4 nuevas canciones producidas por ellos mismos y en las que vuelven a sentir la química de los primeros años como Duncan Dhu.

Al acabar viajan a Londres para remasterizar con el gran maestro Tim Young "Colección 1985-1998" el disco recopilatorio de sus éxitos. Con este último disco recorrerán todos los escenarios de España este verano.

En solitario

Tras haber logrado el éxito masivo con el grupo Duncan Dhu, Mikel Erentxun mantiene su carrera en solitario desde 1992. Con la banda donostiarra ya disuelta, todavía cuenta con un buen número de incondicionales devotos de sus canciones, cuyas influencias abarcan del pop británico al country o el rock.
Erentxun nace en Caracas, Venezuela, en 1965. Sus padres se habí­an trasladado allí por motivos laborales, aunque algunos meses después del nacimiento de Mikel regresan a Donosti.

A los cinco años, el joven se cae de un columpio, produciéndose esa mella en los dientes que forma parte de su imagen. Su interés musical se destapa durante su adolescencia, para compaginar sus estudios con la participación en diversas formaciones locales, como The Hillbilly Cats, Los Aristogatos o Dekathlon.

Mikel debuta en solitario en 1992 con el álbum "Naufragios", que no se aleja demasiado del estilo de su banda. Sin embargo, ˜El abrazo del erizo" (1995) exhibe un sonido más eléctrico, donde se deja notar la colaboración de Mark Gardner -por aquel entonces todavía miembro de Ride- a las seis cuerdas. Acróbatas(1998) mantiene esta tendencia guitarrera, con los oídos puestos en el crepúsculo del brit-pop, mientras en 1999 aparece en EEUU el recopilatorio "7 años", tras diversas giras efectuadas por Mikel en dicho país.

˜Te dejas ver" (2000) plantea nuevas sonoridades, más relajadas y acústicas, con mayor influencia de los sonidos americanos. Esta opción se confirma con ˜Ciudades de paso" (2003), un nuevo acercamiento a la música popular estadounidense, y éste es un camino por el que transitará a menudo en adelante.

En 2004 publica "Éxitos" (Dro Atlantic, 2004), un resumen necesario de sus primeros doce años de carrera solista. Ni más ni menos que un triple disco que, a sus trece canciones une otras veintinua -caras b y rarezas- y un DVD con todos los video-clips rodados hasta entonces.
Unido a este lanzamiento, el año 2004 vio también un escollo legal en su carrera, cuando Ian Broudie, lí­der de la banda The Lightning Seeds, impuso una demanda al donostiarra por, presuntamente, haber plagiado su éxito en una de sus composiciones la canción ˜Grandes éxitos", popularizada gracias a la serie televisiva Los Serrano. El asunto sigue sin resolverse, ya que las partes aún no han llegado a acuerdo.

A pesar de todo, ha podido concentrarse en su siguiente álbum de estudio de una manera total. Para ˜El corredor de la suerte" (Dro Atlantic, 2006), en las tiendas desde octubre de ese año, graba tres demos distintas con más de treinta canciones. Después de un elaborado proceso, fueron seleccionadas las veintiuna que finalmente conforman el disco, producido por el propio Mikel y con Cameron Jenkins a los mandos. ˜Cartas de amor (cuando no hay amor)" es su primer sencillo. La banda zaragozana Amaral (Eva y Juan Aguirre) son colaboradores del doble álbum, y se destacan además la presencias de Dani Martín (El canto del loco) y Lloyd Cole.

Una de las canciones que le hizo destacar y llegar a ser un clásico de todas las emisoras de radio y tv fue "Esta luz nunca se apagará".

Aquí os dejo el vídeo. Saludos

sábado, 14 de noviembre de 2009

Muñeca de trapo

A pesar de que "La oreja de Van Gogh" me parece un grupo bastante monótono y empalagoso, con o sin Amaya, he de reconocer que tanto la canción como el videoclip de "Muñeca de trapo" es curioso y emocionante. Quizá sea por ese toque romántico-gótico, quizá sea por un tramo melódico de la canción que me parece excelso.
Sencillamente, guste o no guste el grupo, esta canción al menos es muy atractiva.
Saludos.

P.D: Últimamente tengo el blog algo abandonadillo pero espero cambiar esa tendencia. Tengo ya algunos artículos en mente que en poco tiempo daré forma.

lunes, 26 de octubre de 2009

Paganini "il grande maestro" y "violinista diabólico"

Me encanta el violín. Siempre me gustaron las cosas complejas, todo aquello que no es simple. También he de reconocer que constantemente soy un vago redomado, podríamos decir, de tal forma que sí, es cierto, me atraen esas complejidades pero me canso al notar que me pueden llevar mucho tiempo.
Ya hice notar en su día lo maravilloso de este instrumento publicando el artículo de Vanessa Mae, una gran violinista por excelencia. Nos podríamos haber ocupado en esta ocasión de Stradivarius y su leyenda; pero finalmente hoy tocamos el origen del violín así como un gran maestro en este noble arte: Paganini.

Precedentes de este instrumento se encuentran en muchas zonas del planeta, los más rudimentarios "antepasados" del violín son los arcos (entre las etnias chaqueñas aún se encuentra el uso de un par de pequeños arcos, uno de ellos -el mayor- es sostenido con la boca del ejecutante, mientras que el mismo ejecutante mueve el arco más pequeño con una de sus manos y así frota con las cuerdas del más pequeño de los arcos las cuerdas del mayor de los arcos ). También podemos encontrar el ArHu (Ar - Dos y Hu - pueblos del norte en recuerdo de su origen mongol)en oriente, y su familia HuQin en la que no existe diapasón quedando sus dos unicas cuerdas al aire y pasando la crin entre estas dos. Sin embargo la "genealogía" que lleva al violín actual es más compleja, se encuentra en el frotamiento de las cuerdas del laúd y el rebab—y su versión europea, el rabel-, instrumentos difundidos en la Europa mediterránea durante la expansión medieval de los árabes, en Italia a partir del rebab surgen los antecedentes más evidentes tanto del violín como de la llamada viola de gamba, son tales precedentes la viela (originalmente llamada rebec, y también denominada fídula) y la lira da braccio ésta ya muy semejante a un violín primitivo aunque con el diapasón separando los bordones. Es en el s XVI que aparece el violín propiamente dicho, aunque con algunas diferencias respecto a la mayoría de los violines que se vienen fabricando desde el s XIX. La tapa superior se hace de madera de pino, y la inferior de arce, estas maderas eran las usadas por los grandes fabricante. El arco ha sufrido muchas modificaciones. El modelo actual data del siglo XIX, cuando se le dio una curvatura que antes no tenía. Incluso era convexo en los modelos mas primitivos.

Aunque en el s XVII el violín (violino) se encontraba bastante difundido en Italia carecía de todo prestigio (el laúd, la vihuela, la viela, la viola da gamba, la guitarra, la mandolina eran mucho más considerados). Sin embargo Claudio Monteverdi es uno de los que descubre la posibilidad de las calidades sonoras del violín y es por ello que le usa para complementar las voces corales en su ópera "Orfeo" (1607), desde entonces el prestigio del violín comienza a crecer. Hacia esa época comienzan a hacerse conocidos ciertos fabricantes de violines (llamados aún luteros o lauderos o luthiers ya que inicialmente se dedicaron a la fabricación de laúdes), así se hacen conocidos Gasparo Bertolotti de Saló o Giovanni Maggini de Brescia o Jakob Steiner de Viena, sin embargo una ciudad se hará celebérrima por sus lauderos especializados en la confección de violines: Crémona, en efecto, de Crémona son los jústamente afamados Andrea Amati, Giuseppe Guarneri y Antonio Stradivari (apellidos en muchos casos más conocidos en su forma latinizada: Amatius, Guarnerius, Stradivarius). Es a partir de entonces, y sobre todo con el barroco que se inicia la Edad de Oro (al parecer de allí en más perpetua) del violín.

Desde entonces el violín se ha difundido por todo el mundo, encontranse incluso como "instrumento tradicional" en muchos países no europeos desde América hasta Asia. Especial atención ha recibido en la musica árabe , en el que el ejecutante lo toca apoyado en la rodilla cual si fuera un violoncelo, y en la musica celta irlandesa donde el instrumento recibe el nombre de fiddle (derivado del italiano fidula) y sus músicas derivadas como, en cierto grado, el country.

Niccolò Paganini:

El 27 de octubre de 1782 nació en Génova una de las figuras más emblemáticas de la música clásica, se trataba de Niccolo Paganini. Su singular personalidad, su especial talento musical y la leyenda que giró en torno a su figura han sido el origen de, al menos, 30 estudios biográficos. Y como toda gran figura de las artes, estuvo rodeada de cierto halo misterioso que lo hace aún más grande.

La leyenda empieza a los 5 años, parece ser que en una de las ensoñaciones de su madre aparece el demonio y le comunica que su hijo Niccolo será un famoso violinista. A partir de ese momento su padre le obligó a practicar diariamente al menos 10 horas.

Fue un niño prodigio, su padre le envió al maestro Alessandro Rolla para que le enseñara el arte musical, pero éste, tras escuchar un concierto del pequeño, no pudo por menos que decirle: “... no tengo nada que enseñarte”.

A los 41 años dio un concierto en La Scala, que siguió de once más durante las seis semanas siguientes, viajó por gran número de ciudades europeas ofreciendo numerosos conciertos; cuando su fama alcanzó la cima, incrementó sus honorarios en cuatro o cinco veces, lo cual le generó una fama de avaro, que no es del todo exacta, pues en cierta ocasión extendió un cheque a Berlioz, a quien acababa de conocer, por valor de veinte mil francos, para ayudarle a salir de su penuria económica.

A pesar de la gran fortuna que consiguió amasar en pocos años, continuó vistiendo con pantalones negros y abrigos largos y deshilachados, lo cual dio origen a un perfil inconfundible.

Era tan extraordinaria su habilidad con el violín que corría la leyenda que la había alcanzado por medios no naturales, se rumoreaba que en cierta ocasión había matado a un rival, siendo condenado por ello a presidio y que allí había vendido su alma al diablo a cambio de conseguir estas dotes tan portentosas.

Esta leyenda guarda un gran paralelismo con Mefistófeles, uno de los personajes de Fausto, creación del genial Goethe. Otra leyenda afirmaba que hallándose encarcelado, por haber matado a su amante, interpretó bellas composiciones en su celda con tan sólo una cuerda de su “Guarneri”, por habérsele roto las tres restantes, complejos fragmentos violinísticos.

A pesar de ser “feo, descuidado y trasudado”, como lo describe uno de los críticos de la época, su fuerte personalidad atrajo a numerosas damas, entre sus amantes figuran Paulina y Elisa, las hermanas del emperador Napoleón Bonaparte, y bailarinas como Antonia Bianchi, que fue madre de su hijo Aquiles.

Su dedicación musical llevó siempre pareja su vida pendenciera y alocada y una afición por el juego que rozaba la ludopatía. Se cuenta que en varias ocasiones llegó a apostar su preciado violín.

Pocos músicos han causado tanto furor en su vida y han llevado a cabo un dominio de la técnica como lo hizo Paganini, a ello contribuyó enormemente su gran flexibilidad articular, el Dr. Bennati lo atendió durante años e informó de algunos detalles de gran interés:

“... su mano tiene una gran elasticidad, al igual que su hombro y su codo...”

observó que cuando tocaba su codo cruzaba por encima del otro codo; la flexibilidad de Paganini era tan grande que la uña del dedo pulgar llegaba a tocar el dorso de su mano, esta hiperlaxitud le permitía tocar tres octavas con poco esfuerzo. Se sabe que voluntariamente podía flexionar lateralmente la articulación de sus falanges distales; en varias ocasiones fue preguntado acerca de su mágico secreto, a lo cual el genial compositor siempre respondía que lo revelaría cuando se retirara. Desgraciadamente se llevó tan codiciado secreto con él, sin duda sus prodigiosas dotes interpretativas se debieron a un trastorno del tejido conectivo como ahora veremos.

Sus contemporáneos lo describen como un ser cadavérico, de ojos negros, piel blanca como la cera, pelo largo y negro, nariz prominente y estatura media; la coloración de la piel adoptaría, algunos años después, un tinte gris plateado, debido al tratamiento mercurial que recibió para la sífilis. Dicho tratamiento también fue el responsable de la pérdida de las piezas dentarias y de las molestias estomacales que acompañaron al compositor a lo largo de sus últimos años.

El síndrome de Marfan es el trastorno más frecuente del tejido conectivo, caracterizado por una alteración del metabolismo del colágeno, entre sus manifestaciones musculoesqueléticas se encuentran la aracnodactilia, la desproporción esquelética y una elevada estatura. Como ya hemos citado, Paganini era de estatura mediana, en cuanto a la aracnodactilia, en el Museo del Conservatorio de París se guarda un molde de la mano de Paganini, el cual es de forma y dimensiones normales, su dedo índice mide 10.1 cm y su dedo pulgar, en extensión, 6.7 cm. Estos hechos hacen poco probable que el compositor sufriera una enfermedad de Marfan.

El síndrome de Ehlers-Danlos se caracteriza por existir laxitud e hipermovilidad articular, con mayor capacidad de estiramiento, características que poseía Paganini. Este síndrome comprende, al menos, 11 tipos diferentes, dado que Paganini vivió durante 58 años, es poco probable que presentase el tipo IV, caracterizado por acortamiento de la longevidad y por presentar menor extensibilidad. Probablemente el músico italiano sufrió un tipo III, caracterizado por ser benigno y porque la gran laxitud articular no se suele acompañar de excesivas deformidades esqueléticas.

De forma gradual fue perdiendo su voz y permaneció afónico durante los dos últimos años de su vida, entre los diagnósticos diferenciales se barajan la laringitis tuberculosa y la lesión del nervio recurrente secundaria a un aneurisma aórtico; en cualquier caso, falleció en Niza el 27 de mayo de 1840.

La fama de endemoniado persiguió a Paganini hasta la muerte, pues el obispo de Niza le negó sepultura eclesiástica, al haberse negado a recibir la Extremaunción los días previos a su fallecimiento por pensar que todavía no había llegado su hora. Su cuerpo fue embalsamado durante dos largos meses y posteriormente, por espacio de un año, fue depositado en el sótano de la casa de su hijo, finalmente fue enterrado en el lazareto de Villefranche, pero aquí no terminaría la peregrinación, ya que años después sería trasladado a otros cementerios, hasta alcanzar el de Parma, en donde reposa actualmente.

El excentricismo de Paganini y su “endiablada” habilidad propiciaron que muriera sin fundar ninguna escuela musical.

sábado, 24 de octubre de 2009

"La habitación perdida"

Buenas a todos/as.

En esta ocasión nos centramos en una serie de televisión que nos ha llamado mucho la atención.

La habitación perdida es una miniserie de televisión que consta de 3 episodios emitidos como dobles en su emisión por España. Es una serie fantástica protagonizada por Peter Krause ('A dos metros bajo tierra') y Julianna Margulies ('Urgencias'), la serie mezcla efectos especiales y drama con un argumento fantástico en una lucha de diferentes personas normales por hacerse con el poder de unos paranormales objetos. Al finalizar los 3 episodios la trama seguía lo suficientemente abierta como para una continuación.

Sobre el argumento:
La habitación era la número 10 del abandonado motel Sunshine a las afueras de Gallup, Nuevo México. El 4 de mayo de 1961 a las 1:20:24 algo borró la habitación y todos sus contenidos de la historia. A esto se le llama "El Evento" o "El Incidente", y es la causa de las extrañas propiedades de la habitación y de los objetos que había en ella. En el momento en que ocurrió el incidente ese hotel estaba en servicio y tenía 10 habitaciones. Junto con una de esas habitaciones, los objetos de su interior ahora poseen extraños poderes sobrenaturales, que incluso conectan diferentes dimensiones. Joe Miller, detective en la investigación de un caso relacionado con uno de estos objetos, consigue la llave de la habitación de manera fortuita, pero su hija se pierde en la dimensión de la habitación, y ha de recuperar el objeto adecuado que la pueda hacer volver.

Es una serie que atrae desde los primeros 10 minutos de emisión. Además de la sobrada calidad en efectos especiales, cuenta con una serie de ingredientes muy atractivos al espectador como la amistad, el amor, rencor, avaricia, ... y todo en torno a una trama donde está presente el interrogante de Dios.

Muy recomendada para todos aquellos amantes de series con halo de misterio. Aunque desde mi punto de vista, también para todo tipo de personas que les guste ya simplemente entretenerse o pasar un buen rato.

Sin duda, es una serie que no defraudará a ninguno.

sábado, 17 de octubre de 2009

Feijoo y sus Cartas eruditas

Fray Benito Jerónimo Feijoo y Montenegro (Casdemiro, Orense, 8 de octubre de 1676 – Oviedo, 26 de septiembre de 1764). Ensayista, sabio, filósofo, hombre preocupado por el saber y la ciencia,polígrafo español del siglo XVIII.

Estudió en Salamanca y ganó por oposición una cátedra de Teología en la Universidad de Oviedo, en donde residió desde 1709 hasta el fin de sus días, si bien se había ordenado sacerdote en el monasterio de San Juan de Samos (Lugo). Desde muy joven perteneció a la orden de San Benito de Nursia o benedictina y había dado clases en Galicia, en León y en Salamanca. Feijoo es considerado el primer ensayista de la literatura española y uno de los más famosos miembros (junto con Mayans) de la que es considerada la Primera Ilustración Española (desde 1737 hasta poco después de la muerte de Fernando VI), tras una primera etapa de pre-ilustración representada por los novatores: un grupo constituido fundamentalmente por médicos y cuyas obras se reimprimieron sin pausa a lo largo de todo el siglo XVIII.

En el día de hoy, nos ocuparemos de una de sus "Cartas eruditas", en concreto de algunos extractos de la carta XVI de su tomo II "Causas del atraso que se padece en España en orden a las Ciencias Naturales". Me parece muy interesante el punto de vista de este gran ensayista y reformista que trató de impulsar nuestro país desde la educación.

Carta XVI
"Causas del atraso que se padece en España en orden a las Ciencias Naturales"


1ª El corto alcance de algunos profesores. «Precisados a saber siempre poco, no por otra razón sino porque piensan que no hay más que saber sino aquello poco que saben... Que apenas pueden oír sin mofa y carcajada el nombre de Descartes, y si les preguntan qué dijo o qué opiniones nuevas propuso al mundo, no saben, ni tienen qué responder... La máxima de que a nadie se puede condenar sin oírle es generalísima; pero estos escolásticos de quienes hablo, no sólo fulminan sentencia sin oír al reo, mas aun sin tener noticia del cuerpo del delito... ¿Puede haber más violenta y tiránica transfiguración de todo lo que es justicia y equidad? A cualquiera de estos profesores, que con aquello poco que aprendieran en el aula están muy hinchados, con la presunción de que saben cuanto hay que saber en materia de Filosofía, se puede aplicar aquello del Apocalipsis: Quia dicis, quod dives sum et locupletus et nullius egeo: et nescis, quia tu es miser et miserabilis, et pauper, et cecus, et nudus.»

2.ª «La preocupación que reina en España contra toda novedad, porque las novedades en punto a doctrina son sospechosas. Las doctrinas nuevas en las ciencias sagradas son sospechosas... pero extender la ojeriza a cuanto parece nuevo en aquellas facultades que no salen del recinto de la naturaleza, es prestar con un despropósito patrocinio a la obstinada ignorancia. Mas sea enhorabuena sospechosa toda novedad; a nadie se condena por meras [355] sospechas: conque estos escolásticos nunca pueden escapar de injustos.»

3.ª «El errado concepto de que cuanto nos presentan los nuevos filósofos se reduce a unas curiosidades inútiles... ¿Cuál será más útil: explorar en el examen del mundo físico las obras del Autor de la naturaleza, o investigar en largos tratados del Ente de Razón y abstracciones lógicas y metafísicas, las ficciones del humano entendimiento? Aquello, naturalmente, eleva la mente a contemplar con admiración la grandeza y sabiduría del Criador; esto la detiene como encarcelada en los laberintos que ella misma se fabrica.»

4ª «La diminuta o falsa noción que en España tienen muchos de la filosofía moderna, junta con la bien o mal fundada preocupación contra Descartes. Ignoran casi enteramente lo que es la nueva filosofía, y cuanto se comprende debajo de este nombre, juzgan que es parto de Descartes.»

5ª. «Un celo, pío sí, pero indiscreto y mal fundado: un vano temor de que las doctrinas nuevas en materia de Filosofía traigan algún perjuicio a la Religión. Los que están dominados de este religioso miedo, por dos caminos recelan que suceda el daño: o ya porque las doctrinas filosóficas extranjeras vengan envueltas en algunas máximas que, o por sí, o por sus consecuencias se opongan a lo que nos enseña la fe; o ya porque haciéndose los españoles a la libertad con que discurren los extranjeros (los franceses v. g.) en las cosas naturales, pueden ir soltando la rienda para razonar con la misma en las cosas sobrenaturales... Ni uno ni otro hay apariencia de que suceda... Abundamos en sujetos hábiles y bien instruidos en los dogmas, que sabrán discernir lo que se opone a la fe, de lo que no se opone y prevendrán al Santo Tribunal... para que aparte del licor la ponzoña, o arroje la ceniza al fuego, dejando intacto el grano... Es ignorancia creer que en todos los reinos donde domina el error, se comunica su veneno a la Física. En Inglaterra{1} reina la filosofía newtoniana. Isaac Newton fue también hereje, como lo son, por lo común, los [356] demás habitadores de aquella isla; con todo, en su filosofía no se ha hallado hasta ahora cosa que se oponga ni directa ni indirectamente a la verdadera creencia... La Teología y la Filosofía tienen bien distinguidos sus límites.»

6.ª «La emulación (acaso se le podría dar peor nombre), ya personal, ya nacional, ya faccionaria... En algunos pocos es puramente nacional; aún no está España convalecida en todos sus miembros de su ojeriza contra la Francia... Permítase a los vulgares, tolérese a los idiotas tan injusto ceño, pero es insufrible en profesores de ciencias... ¿Pues qué si llega a saber (un envidioso pedante que pinta) que Leibnitz, Boyle y Newton fueron herejes? Aquí es donde prorrumpe en exclamaciones capaces de hacer temblar las pirámides egipcias. Aquí es donde se inflama el enojo cubierto con la capa de celo. --¿Herejes? ¿Y estos se citan o se hace memoria para alguna cosa de unos autores impíos, blasfemos, enemigos de Dios y de su Iglesia? --¡Oh mal permitida libertad! ¡oh mal paliada envidia! podría acaso exclamar yo. ¡Oh ignorancia abrigada de la hipocresía!... No ignoran ni pueden ignorar, siendo escolásticos, que Santo Tomás citó muchas veces con aprecio, en materias físicas y metafísicas, como autores de particular distinción a Averroes y Avicena, notorios mahometanos, ya confirmando con ellos su sentencia, ya explicándolos cuando se alejaban por la opuesta. Preguntaré ahora a estos escolásticos si se tienen por más celosos de la pureza de la fe que Santo Tomás, y si los mahometanos son más píos o menos enemigos de la Iglesia que los luteranos y calvinistas... Su mismo príncipe, su adorado jefe Aristóteles, ¿tuvo mejor creencia que Leibnitz, Boyle y Newton?... Esto, bien entendido, viene a ser escudar la religión con la barbarie, defender la luz con el humo, y dar a la ignorancia el glorioso atributo de necesaria, para seguridad de la fe.»

En este caso, he tratado de reflejar los principales motivos por los cuales Feijoo cree que sufrimos ese atraso, pero si uno lee toda la carta (es bastante más extensa) podrá observar la gran cultura de este hombre y el combate que mantiene con la sociedad de su época en cuanto a la ignorancia que padecía el pueblo, donde reinaba además la superstición, aversión y temor a lo nuevo.
Feijoo habla de numerosos casos en la historia de personas adelantadas a su tiempo en muchas materias, personas que fueron denostadas y marginadas debido al rechazo que sentía la sociedad por las innovaciones y progresos.
Esto lleva ocurriendo desde tiempos inmemoriales: Sócrates fue repudiado por su pueblo por criticar los dioses tradicionales, Tucídides fue valorado mucho más tarde y muy criticado por sus coetáneos (siendo el primer historiador tal como lo conocemos hoy día) e incluso los mismos romanos tenían la expresión “res novae” la cual tenía una connotación negativa que incluso llegó a nuestro castellano en forma de refrán “más vale lo conocido que lo bueno por conocer”.
Como hemos dicho anteriormente, nombra a una serie de autores que han contribuido a que algunas de las creencias prosperasen tales como la astronomía con Aristarco (quien calculó el ángulo entre el sol y la luna), Galileo y su afirmación de que el planeta Júpiter tiene 4 satélites, así como otros autores que hicieron aportaciones en Física o Aritmética. Todos tienen algo en común y es que fueron ignorados por sus conciudadanos, tanto sus teorías como aquellos instrumentos útiles para las artes que se inventaron.
La Universidad carecía del mínimo ambiente científico y se precisaba de una formación incluso de vocabulario, labor que comienza en el siglo XVIII, para la difusión de las nuevas ideas y alejar el oscurantismo que sufría tal terminología.

Sin duda alguna, fue un gran humanista y quizá posiblemente vino a predecir los motivos por los cuales estaremos a la cola de Europa. Si hoy día levantara la cabeza y observara la gran crítica que existe a los estudios clásicos así como la poca aportación que existe por parte del gobierno español en aumentar presupuestos en cuanto a ciencia e investigación, moriría una vez más pero de pena.

Saludos

sábado, 10 de octubre de 2009

Frank T Un Paso Atrás en la Humanidad (Con doc k y John Daido)

Al hilo del artículo anterior, les dedico esta canción tan interesante. Seguro que os gustará a todos.

"Espèce d'effronté, ose affronter, la
Gad et Frank-T. Même si tes plus franc
qu'tes, sauces recrutés dans les fonds
d'tess. Pour raftes les fonds de crisses, de ceux
qui par crainte au fonds taisent. Dans c'est
contexte plus de pauvres, brises par ceux qui font
le peze. Con est plus des agneaux, Ici son froc
seul un bouffon la baisse, si le loup est seul
dans la bergerie, et qu'il nous bouffe on la
baise. Car on sait cultiver la guerre, pour
récolter les fruits de la paix. 2001, trop
d'injustice. Je m'engage, je porte le beret rouge.
Vous que dans, c'est monde aucune guerre et est
rose.

Je fait carrieré ose combattre, le mal en
guerrilleros a la rescousse de Frank T.
Voilà, 11 hommes plus le BF, et comme
l'union fait la force, voilà en somme plus
de BENEF. Dennongons, corruption, guerre, racisme,
hypocrisie. Hip-Hop croisé entre 2 feu,
l'ennemí annêantí feut criser
y a trop de morts dans l'âme et encore moins
d'amour dans l'homme. Car quand l'humanité
régresse haine et peine germent dans
l'ombre.

Un paso atrás en la humanidad. Le
passé perd pas à trace ou c'est la
fin de l'humanité. Un paso atrás en
la humanidad. Humanité. Un paso
atrás en la humanidad. Le savoir perd pas
sa trace ou c'est la fin de ton humanité.
Un paso atrás en la humanidad.
Humanité.

Poder sacarlo todo es peligroso, decir que eres
un tramposo, que también eres patoso y no
ingenioso. Verte por la tele como un todopoderoso,
pero no seas orgulloso, eso no te hace ser
más virtuoso. Tener a todos los hombres a
tu antojo es peligroso, la sangre puede hervir,
pas de justice, pas de pe, ya que sóis tan
incapaces de mantener una igualdad que sea eficaz.
Sólo palabras de mentira, así un
disfraz. A ver, ¿qué tengo yo?
Sólo mi voz, sólo mi don, tengo
salud gracias a Dios, poder decir
permítenos. ¿Qué tienes
tú?. Y a medio mundo, a tí embargado
hasta los dientes,

¿Cómo te sientes?
¿qué has dicho mal? Mientes. Mil
pasos hacia alante, La Brigade, sí con
Frank T. Hoy pa' decirles que no vivan tan de
guays los dirigentes, matando a todos los hombres
por miserias al mes, atragantándonos con
préstamos de altísimo
interés. La taza del báter del
dictador hecha de cobre, quién es noble si
tu pueblo aspira máximo a ser pobre.
¿Puedes dormir viendo a tu gente malvivir,
o sea, morir? Lo olvidaba, el oro te hace
sonreír.

Maldito culo sucio, analfabeto, cual cateto, por
decreto puesto por los yankys pa' que roben
sueltos. Riquezas de una tierra bien rica de la
que muchos van a huir en pateras que los mares van
a hundir. Por eso hay emigrantes en tu barrio,
europeo, buscándose la vida aquí,
ante la muerte allí. Si el dinero que se
invierte en armamento o en la Nasa se lo dieran a
los pobres, todos tendrían una casa.

Un paso atrás en la humanidad. Le
passé perd pas à trace ou c'est la
fin de l'humanité. Un paso atrás en
la humanidad. Humanité. Un paso
atrás en la humanidad. Le savoir perd pas
sa trace ou c'est la fin de ton humanité.
Un paso atrás en la humanidad.
Humanité.

Appelle moi John Deido comète brillante
présente pénétrante, daus sa
lance mec issu pour frappes net. Arguisu si ya en
vant le risque Ami, la vie se mix dangereusement.
Comme dans un discours de Malcom X. Autant mos
vies se fixent, f'izap dut dans le disque,
constate ma trajectoire, comme si j'avais
déjà dix fils. Nourrit de peu j'ai
de quoi cause, la faim me fait ose, le peuple
á toujours faim j'eu ai des nausés.
De peur que ça explose je te donne la cause
rien n'est rose.

Trop d'existence de vies de nos jours se
décompose, juntos tenemos la fuerza. Jeune
effronte faut tente comme Frank T, ici pour faire
ça. Autant qui'a douze si la route nous
blouze, les fronts s'umecteul. Appelle tes
couçe donne moi de la pondre, je te glisse
le fusilo. T'è tonne pas sur ce morceaux
passe à l'assault avant de tessant,
insolent. Attention.

Un paso atrás en la humanidad. Le
passé perd pas à trace ou c'est la
fin de l'humanité. Un paso atrás en
la humanidad. Humanité. Un paso
atrás en la humanidad. Le savoir perd pas
sa trace ou c'est la fin de ton humanité.
Un paso atrás en la humanidad.
Humanité".

Nuestra RFEF haciendo otra de las suyas

En esta ocasión vamos a tocar un tema del ámbito de la sociedad.

Noticia destacada esta semana en el diario "Marca".

Villar borra de un plumazo el nacimiento de la RFEF

"Ángel María Villar ha eliminado de un plumazo la explícita y concreta alusión a la fecha de nacimiento de la RFEF que figuraba en los estatutos de dicho organismo. Hasta el pasado 10 de julio, fecha de la modificación, en el Artículo 1 (Título 1) de la Carta Magna federativa podía leerse que la RFEF había sido “constituida el 29 de septiembre de 1913”, lo que desmontaba completamente la celebración del Centenario este año.

De hecho, son múltiples las alusiones que la propia Federación había hecho al año 1913 como fecha de nacimiento, algunas de ellas demasiado elocuentes: además de los mencionados estatutos, en la página web oficial de la FIFA figura esta misma fecha, en el escudo de la camiseta de la selección española también está serigrafiado el 1913 (incluso en la que Villar le regaló a Zapatero el pasado martes), el 75 aniversario se celebró correctamente en 1988 con un partido entre España y Argentina en Sevilla...

96 años recién cumplidos
Pero el presidente de la Federación, reelegido hasta 2012, se ha empeñado en conmemorar el Centenario cuando el organismo realmente acaba de cumplir 96 años. De este modo, no deja de ser sospechosa la desaparición de la fecha en los estatutos. Como puede apreciarse en los documentos que figuran en esta misma página, el primer párrafo es completamente idéntico, salvo esa extraña y oportuna omisión.

El nuevo estatuto fue aprobado por la Asamblea general, en su sesión ordinaria del pasado 10 de julio, sustituyendo al que regía desde el año 2007. Fue aprobado por unanimidad y ratificado por la Comisión Directiva del Consejo Superior de Deportes en sesión de 30 de julio.

La propia Federación explica en su página web, junto al nuevo texto, que “la Asesoría Jurídica de la RFEF, por acuerdo del presidente o de su Comisión Delegada, se encarga de las modificaciones y alteraciones necesarias para la adecuación de este texto federativo al ordenamiento de la FIFA y de la UEFA, la Ley 10/1990, y la realidad futbolística vigente”.

Cabría interpretar que el empecinamiento de Ángel Villar en festejar en 2009 los fastos del Centenario ha sido considerado como una “realidad futbolística vigente”, hasta el punto de haber propiciado la desaparición de la fecha oficial del nacimiento. Desde que Villar anunció su intención de llevar a cabo este proyecto, el Centenario ha estado envuelto en permanente polémica. Primero, por la evidente falta de rigor en la fecha, y después por la decisión de colocar al frente de la comisión del Centenario a Ramón Calderón, días después de que el robo de la Asamblea del Madrid le obligase a dimitir".

Bueno, bueno, bueno. Ya sabíamos desde hace tiempo los trapicheos que se sucedían en el mundo del fútbol de nuestro país, con viajes a destinos exóticos pagados con el dinero del contribuyente siendo éstos de placer y un largo etc.
El último colmo de los colmos ha sido el protagonizado esta semana por el Presidente de la RFEF celebrando un centenario antes de tiempo y reuniendo a múltiples personalidades (naturalmente venidas y alojadas con el dinero público cómo si no).
Cada día me repugna más y más toda esta farsa en la que vivimos, mejor dicho, en la que padecemos todos nosotros, porque los que realmente viven son ese 10% de la población con sus privilegios y sus dineros.
Entre la subida de impuestos que nos vamos a tener que comer y esta clase de noticias (lo del Ministerio de Cultura es de aúpa así como el de Vivienda e Igualdad que son de risa porque ¿para qué están y cuál es su labor?) me estoy poniendo más negro que los autóctonos del continente del sur.
Lo que peor veo es que nos toman el pelo continuamente, a diario, y no hacemos absolutamente nada (lo del caso Gürtel es otra traca propia de los artificios valencianos).
Ultimamente estoy algo deprimido, triste, ramplón con nuestra sociedad. No sé dónde vamos a llegar. Cada vez que veo el telediario me dan ganas de reventar por alguna parte: dícese de noticias tipo "cincuenta personas en la Plaza Elíptica mendigando un trabajo por miseria".
ARGGGGHHHH, qué país señoras y señores!!!!!.

Saludos a todos

jueves, 1 de octubre de 2009

Manolo Tena con "Loco por verte"

Uno de los cantantes que me han acompañado a lo largo de mi "corta" vida es Manolo Tena. Desde mi punto de vista, un gran compositor que realizó una gran obra maestra en su creación del disco "Sangre Española".
Este disco auna todos los elementos del pop y todas sus canciones son magníficas. Sin duda muy recomendable para todos aquellos poperos jóvenes que no lo conozcan.

Manolo Tena nació en Madrid el 21 de diciembre de 1952. De orígenes extremeños y condición humilde, su niñez no fue lo que se dice, un camino de rosas. Conflictivo sí, pero sin llegar a transgredir las normas básicas de su época. Eso lo haría un poco más tarde.

No quiso estudiar y, desde muy joven, se puso a trabajar : fue botones, aprendiz de imprenta, dibujante, vendedor, camarero, etc. Con su primer sueldo se pagó su primera guitarra de palo. Sus siguientes ingresos los invirtió en libros y discos, dando poco a poco forma a su creatividad y reforzando su rebeldía.

En sus comienzos, empezó a actuar con el seudónimo de Lolilla Cardo cantando temas sociales con sarcasmo. Luego pasó a tocar con bandas underground como Spoonful. También llegaron ocasiones de colaborar con Luis Eduardo Aute para su álbum Babel (1975). Dos años después colaboró en el Laboratorio Colectivos Chueca compuesto por personajes inquietos de la escena madrileña. Y del deseo de hacer algo por sí solo, nació su primer grupo: Cucharada. Fue la primera experiencia que hubo en España de fusión del rock and roll y teatro, con un look estrafalario que dio pie al lema del grupo: la entronización del harapo. Era un grupo tan escénico como musical.

Después de la desaparición de Cucharada en 1980, Manolo Tena formó otro nuevo grupo: Alarma!!! muy marcado por el after-punk y el reggae, por lo que tuvo que enfrentarse a la incomprensión de unos y la admiración de otros que mitificaron un tema como Frío. Se grabaron " Alarma!!!" (1984), "En el lado oscuro" (1985) y otro disco que ni siquiera les dejaron grabar con canciones de puro rock and roll que nada tenían que ver con los circuitos comerciales. En 1986 el grupo no volvió a existir. Curiosamente Alarma sigue teniendo el reconocimiento de crítica y público después de tanto tiempo.

Manolo Tena probó suerte en solitario y grabó "Tan raro" con el sello Elígeme gracias a Sabina y al club que lleva ese nombre. A pesar de ser grabado con los mejores músicos y de ser un disco con canciones muy buenas, la promoción y la distribución fallaron y el resultado fue un fracaso. Empezó a componer para otros: Miguel Ríos, Ana Belén, Luz Casal, Los Secretos, Rosario, Siniestro Total, etc. Pero a él no le llegaba el reconocimiento. Esperó cuatro años a que alguien le grabara un disco y, sin lograrlo, se fue a Miami. Allí se dio cuenta del protagonismo de la música caribeña y de la salsa. Y cuando estaba atravesando una crisis y se sentía sumido en la miseria llegó su sueño. Recibe una llamada de Nueva York y el Vicepresidente de Sony, Tomás Muñoz, y le propone un contrato con la Compañía que fue retomado por Claudio Condé a través de su sello Epic.

El disco Sangre Española, puso las cosas en su sitio. Ganó mucho dinero, pero sabía que no podría vivir sólo de un éxito después de tantos años de silencio aparente. Tenía que ponerse a trabajar, y sacar otro disco cuanto antes... Sabía lo que le esperaba cuando apareciera su siguiente trabajo, aún sin apagarse los ecos del primero. La crítica fue dura, y la respuesta...la esperada. Pero él, regateó la adversidad premeditada, y dejó que la corriente de la crítica vulgar corriera por sus espaldas sin calarle en lo más mínimo.

Tres años después, con aires de Nueva York, Manolo Tena ha logrado meter a Federico García Lorca entre la maraña intestinal del lenguaje disparatado, rítmico-urbano, descastado, desclasado y protestón que utilizan los negritos neoyorquinos. Por el túnel del tiempo, de ese tiempo que Federico no necesita porque es intemporal, Tena nos presenta en su última producción discográfica "Poeta en Nueva York", una cara distinta del poeta Andaluz. Una faceta que adivina con fino olfato el creador, en los versos neoyorquinos.

Lamentablemente, cuando un autor alcanza su cénit lo normal es que lo siguiente que cree, tenga muchas expectativas pero pocos resultados positivos. Y es lógico.
Yo me quedo con esa gran obra de arte que es el disco "Sangre Española".
Me ha sido difícil escoger una canción porque todas desprenden un aura especial, pero al final me decidí por "Loco por verte":
es una canción un tanto triste pero con un halo de luz y esperanza dejándote un buen sabor de boca. Quizá sea su melodía.
Lamentablemente no he podido encontrar un vídeo mejor sobre la canción, y no es que esté mal, pero no es muy de mi agrado.

Saludos.

P.D: Siento haber tardado tanto en escribir pero las ocupaciones y traslados a veces...

sábado, 12 de septiembre de 2009

Keane: Somewhere only we know

Uno de los grupos más relevantes del panorama actual musical es éste: Keane.
Hace tiempo que tenía ganas de colgar en el blog este vídeo así como hablar del grupo. Gustan y mucho por su gran calidad musical y su transmisión de paz y armonía.

Keane es un grupo musical de piano rock y rock alternativo procedente de Battle, East Sussex, en la Inglaterra del sureste. Sus dos primeros álbumes, Hopes and Fears y Under the Iron Sea, fueron directos al número 1 de la lista de ventas del Reino Unido inmediatamente después de su lanzamiento. Han logrado considerables ventas alrededor del mundo, especialmente en Europa.

Los miembros actuales son Tim Rice-Oxley, compositor y pianista, Tom (Oliver) Chaplin como vocalista y organista y en algunas ocasiones guitarrista, y Richard Hughes en la batería. Dominic Scott era el guitarrista del grupo hasta que desistió en 2001.

Keane es conocido por usar el piano como su principal instrumento en lugar de guitarras, al contrario de muchas bandas de rock. Sin embargo, hacen uso de pedales de efectos y sintetizadores, dándoles un gran rango de sonidos no limitados al tradicional sonido del piano. La voz de Tom Chaplin es considerada uno de los factores en el éxito del grupo. Los miembros del grupo han citado a bandas como A-ha, Beatles, Simple Minds, Depeche Mode, Queen, U2, Radiohead y Pet Shop Boys como sus principales influencias.

Rice-Oxley y Scott eran los compositores principales de las canciones del grupo durante sus primeros años. Cuando Scott se retiró, Rice-Oxley se convirtió en el único. Sin embargo, Tim acredita al resto de la banda en todas las composiciones, para que los beneficios generados sean repartidos.

El manager de Keane es Adam Tudhope, amigo de Rice-Oxley desde la universidad y que está involucrado en la producción de filmes a través de su compañía, White House Pictures (Películas Casa Blanca). Ha contribuido a filmes británicos como Love Actually.

Con sus tres primeros discos han conseguido un total de casi 10 millones de copias vendidas.

Os dejo con este maravilloso vídeo. Espero que lo disfrutéis tanto como yo. Saludos



Letra "Somewhere only we know"

I walked across an empty land
I knew the pathway like the back of my hand
I felt the earth beneath my feet
Sat by the river and it made me complete
Oh simple thing where have you gone
I'm getting old and I need something to rely on
So tell me when you're gonna let me in
I'm getting tired and I need somewhere to begin

I came across a fallen tree
I felt the branches of it looking at me
Is this the place we used to love?
Is this the place that I've been dreaming of?

Oh simple thing where have you gone
I'm getting old and I need something to rely on
So tell me when you're gonna let me in
I'm getting tired and I need somewhere to begin

And if you have a minute why don't we go
Talk about it somewhere only we know?
This could be the end of everything
So why don't we go
Somewhere only we know?

Oh simple thing where have you gone
I'm getting old and I need something to rely on
So tell me when you're gonna let me in
I'm getting tired and I need somewhere to begin

And if you have a minute why don't we go
Talk about it somewhere only we know?
This could be the end of everything
So why don't we go
Somewhere only we know?

This could be the end of everything
So why don't we go
Somewhere only we know?

sábado, 29 de agosto de 2009

Vagrant Story

Hoy nos ocupamos de uno de los grandes juegos que dio la PSOne.
Vagrant Story es un RPG que nos transporta a un mundo medieval repleto de intrigas políticas y conflictos religiosos en el que todos las facciones implicadas ansían conseguir un codiciado objeto mágico de incalculable valor. El juego arranca con un prólogo muy cinematográfico en el que los seguidores del culto Mullenkamp, una secta, irrumpen en una de las mansiones del Duque Bardora, miembro del parlamento, y secuestran a su hijo arrasando la villa.
Enviado por decisión del parlamento, hace acto de presencia en este casi tutorial el protagonista, Ashley Riot, un Riskbreaker de los Valendia Knights of Peace, un soldado de élite que no teme a la muerte y que cumplen con éxito misiones que muchos calificarían de suicidas. Ashley se infiltra en la mansión durante la ocupación de los fanáticos religiosos y consigue alcanzar a su líder, el enigmático Sidney Lostrarot, a quien deja malherido al dispararle una flecha directamente al corazón antes de escapar con el niño cubierto en la huida por d'Tork, su agonizante Wyvern.
El culto se refugia entonces en la cercana Lea Monde, una ciudad milenaria de la que se cuentan leyendas acerca de su mágica influencia. Sydney, con la ayuda de la agente Callo Merlose, alcanza la ciudad mediante las catacumbas, pero no son los únicos que han marchado tras los Mullenkamp. La iglesia personificada en el cardenal ha ordenado a su brazo armado, los Crimson Blades comandados por Romeo Guildestern, erradicar a los herejes. En este marco comienza el juego, que a lo largo de más de 40 horas de auténtico disfrute nos llevará por giros inesperados, traiciones, conspiraciones e hipocresía en las que veremos cómo todas las facciones en conflicto intentan alzarse con el objeto del deseo: el secreto de la vida eterna.
En mi opinión, es un juego muy profundo, demasiado quizá para edades tempranas.
Su sistema de combate es creativo así como la formación de armas en las "fraguas".
Es una joya que nos dejó Square. Lástima que no hayan hecho una secuela o esté en proyecto para una gran plataforma actual. Sería un grandísimo éxito.

domingo, 23 de agosto de 2009

Tocata y Fuga de Bach

Johann Sebastian Bach nace en Eisenach, (Thuringia) en Alemania, el 21 de marzo de 1685, forma parte de una familia en la cual más de 150 de sus miembros fueron músicos. El patriarca de la familia Bach, fue Veit Bach, molinero y panadero, era tatarabuelo de Johann Sebastian, muero en 1615. Fueron padres de Johann Sebastián, Johannn Ambrosius Bach (1645-1695) violinista y organista a la corte de Eisenach y Maria Elisabeth Lämmerhirt (1644-1694). Su educación se produce en un ambiente familiar musical extraordinario, dónde muchos de sus miembros eran músicos y compositores de cierta relevancia.

Cuando tiene nuevo años, muero su madre, y un año más tarde su padre, razón por la cual se en vano a vivir con su hermano grande, Johann Christoph, que ocupa el cargo de organista a Ohrdruf, y con quien continua sus estudios. Lo inicia en el clavecín, órgano y composición, Su pasión por la música ya se manifiesta. Por tener una bellísima voz de soprano es admitido en el corazón de la iglesia de Ohrdruf, cobrando por esto y ayudando económicamente a su hermano.

El año 1700, a los quince años entra a la escuela de San Miguel, a Lüneburg, se cree que recomendado por su maestro Elías Herder, a 340 km. de distancia y que Bach deberá hacer a pie, dónde es aceptado y canta al corazón y a la vez completa sus estudios. Por su dedicación a la música permanece tres años, llegando a ocupar el cargo de "Prefecto de los niños del Coro", y teniendo en algunas ocasiones, la oportunidad de actuar no solamente como organista, sino como director del propio corazón. A los dieciocho años ocupa un lugar como violinista en la orquesta del conde Johann Ernest de Weimar, dónde permanece algunos meses.

En 1703 pasa como violinista a la corte de Weimar y algún mes más tarde como maestro de capilla de la Iglesia Nueva de Arnstadt, dónde escribe sus primeras obras de consideración. Estando en esta ciudad hace el viaje a Lübeck ( Octubre de 1705 ) para escuchar y estudiar con el grande organista Buxtehude, pide cuatro semanas de permiso, que se convirtieron al final en cuatro meses, por este motivo recibe una amonestación del Consistorio, (de la cual se conserva todavía el acta), a la cual contesta que "estuvo a Lübeck para varias cuestiones relacionadas con su arte... " En el mismo documento se le llama la atención por no querer atender el "Coro de Niños", ocupación que no es demasiado de su agrado. También le reprochan que una mujer (su prima Maria Barbara), cante en la iglesia, cosa que estaba prohibida en aquellos tiempos.

En 1707, se traslada a Mulhausen, como organista de la iglesia de S. Blas, vacante desde la muerte del organista J. G. Ahle, tomando posesión el 15 de junio. Contrae matrimonio con su prima María Bárbara Bach el 17 de octubre del mismo año. Con la cual tuvo siete hijos, de los cuales sobreviven cuatro, tres de ellos fueron músicos, Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel y Johann Gottfried Bernhard. El ambiente que Bach encontró no era demasiado alegre, pues la ciudad había sufrido hacía poco un grave incendio. Sin embargo, las relaciones con sus superiores serían siempre cordiales. Bach diseño una importante remodelación del órgano de la iglesia, que se pudo hacer con las subvenciones necesarias.

Nueve meses despues de ser nombrado en Mühlhausen, Bach dimite como organista de la iglesia de San Blas al recibir una importante oferta para volver a Weimar. Bach acepta el cargo de organista en la corte del duque Wilhelm Ernst de Saxònia-Weimar. A Mühlhausen no ponen ningún problema, y le piden a Bach que vuelva cuando el órgano que hizo remodelar esté acabado. Las buenas relaciones entre Bach y Mühlhausen continuaran siendo cordiales durante muchos años.

Bach contacta en Weimar con las tendencias musicales que hay en Europa. Descubre las obras de Vivaldi, Corelli, Albinoni, Couperin y su contemporáneo George Frederick Handel. Bach hace las transcripciones de obras de estos compositores, el concierto para 4 clavecines en la menor BWV 1065, y la transcripción del concierto en sí Menor RV580 Op.3 nº 10 de Antonio Vivaldi. Su estancia se prolonga hasta 1717. El 2 de marzo de 1714 Bach es designado Konzertmeister. Al morir el director de este, Samuel Drese, Bach cree que van a nombrarlo a él para sustituirlo, inexplicablemente, Wilhelm Ernst se decide por el hijo del desaparecido Samuel Drese, Johann Wilhelm, músico de menos valía que Bach. Frustrado y descontento con el duque Wilhelm Ernst, el 1717 recibe una oferta del príncipe Leopold de Anhalt-Köthen.

En 1717 va a Köthen, dónde entra al servicio del príncipe Anhalt, el cual le confía la dirección de su orquesta. La oposición del duque de Weimar a la marcha de Bach ocasiona su encarcelamiento durante un mes, del 6 de noviembre al 2 de diciembre. Finalmente, Wilhelm Ernst lo autoriza a marchar a Köthen. Empieza para Bach una de las etapas más felices de su vida, disfrutando de gran consideración y aprecio. Escribe la primera parte del "Clavecín bien temperado", los "Conciertos de Brandeburgo", música de cámara y obras para violín, viola de gamba, flauta, etc, que llegan al límite de las posibilidades técnicas de los instrumentos.

En el transcurso de un viaje a Dresden el año 1717 se produce la anécdota del concurso con el célebre organista Louis Marchand. A Bach lo invitan a enfrentarse con Marchand para ver quién era el mejor organista. Y se explica que Marchand, al sentir a Bach mientras ensaya la noche antes del concurso, quedó tan impresionado que la misma noche se marcha de Dresden deprisa y corriendo para no hacer el ridículo el día siguiente.

En 1720, mientras acompaña al príncipe Anhalta Carlsbad, muere su esposa, que es enterrada el 7 de julio. Bach recibe con dolor la noticia de la muerte de su esposa. Sin embargo, al siguiente año contrae nuevas nupcias con Ana Magdalena Wülken, a la cual conoce en Hamburgo, efectuándose la ceremonia en la propia casa de Bach el 3 de diciembre de 1721. De Ana Magdalena tiene trece hijos, y sólo sobreviven seis, y también 3 de ellos son músicos, Gottfried Heinrich, Johann Christop Friedrich y Johann Christian.

El año 1723 se convocan en Leipzig oposiciones al cargo de Kantor en la Iglesia de San Tomas. Bach se presenta y consigue la plaza, con alguna oposición por parte de algunos miembros del Consistorio. Bach se traslada a Leipzig el día 22 de mayo, dónde vivirá hasta su muerte. Como kantor y director musical, se responsable de la música en las cuatro principales iglesias de la ciudad. Esto incluía la preparación de una cantata todos los domingos y festivos. Además, se ocupa de la enseñanza de la música, enseñar canto y latin en la Escuela de San Tomas, pero por exceso de trabajo le permiten contratar un suplente. Bach tuvo muchos problemas, pues era un hombre muy exigente y creía que en el Consistorio no se hacía lo suficiente para la música en las iglesias de Leipzig. El ayuntamiento nunca cumplió la promesa que hizo el alcalde de aquella época, Gottlieb Lange en la entrevista inicial, de ofrecer un salario de 1.000 taleros anuales, si bien se ofreció a Bach y a su familia una reducción de impuestos y un buen apartamento en una de las alas de la escuela, que fue renovado con un gran gasto el 1732 .

En un sorprendente arranque de creatividad, escribió más de cinco ciclos de cantatas anuales durante los primeros seis años en Leipzig (dos de los cuales aparentemente se han perdido). Muchas de estas obras se ejecutaban durante las lecturas de la Biblia de cada domingo y días festivos en el año luterano, muchas de ellas fueron compuestas usando himnos tradicionales de la Iglesia, como Wachet auf! Ruft unos die Stimme y Nun komm, der Heiden Heiland. Por Navidad de 1723 Bach escribió la segunda versión del Magnificat en mí bemol mayor. El ayuntamiento sólo otorgaba alrededor de ocho instrumentistas permanentes, limitación que fue fuente de constante fricción con el Kantor, que tenia de reclutar al resto de los veinte o más músicos requeridos para las partituras medianas o grandes, en la universidad, la escuela y el público. Para los ensayos y ejecuciones de estas obras en la Iglesia de San Tomas, Bach probablemente se sentaba al clavecín o dirigía enfrente del coro de espaldas a la congregación. A la derecha del órgano en una galería lateral estarían los instrumentos de madera, los de metal y timbales, y a la izquierda los instrumentos de cuerda pulsada. El órgano o el clavecín era probablemente tocado por el compositor (cuando no estaba de pie dirigiendo), el organista de casa, o uno de sus hijos, Wilhelm Friedemann o Carl Philipp Emanuel.

Hace falta destacar que de estos años datan sus intentos por encontrarse con Georg Friedrich Händel, a quien admiraba profundamente y al que consideraba uno de los más grandes maestros de la música. Su mujer, Ana Magdalena, cuenta como le encantaba al músico de Leipzig transcribir durante horas las partituras de Händel y como hablaba siempre de él y de su música con verdadera devoción. Sin embargo, y debido a una serie de malentendidos, todos los intentos de Bach por conocer a su paisano resultaron inútiles, y no fue posible el encuentro entre los dos musicos. En Leipzig Bach escribe la primera versión de la Pasión según San Mateo (1727), la Pasión según San Juan y la Misa en sí Menor y numerosas obras para teclado, como la segunda parte de El Clavecín bien temperado y El Arte de la Fuga.

Bach envía el 23 de agosto de 1730, al Consistorio un informe sobre las "necesidades para una buena organización y funcionamiento de la música en la ciudad ". En este informe, Bach se queja de la desamparada situación en qué se encontraba la música en Leipzig, por culpa del desinterés del Consistorio. expone los problemas que dificultaban su trabajo y sugiere las soluciones posibles. Pese a la irritación que el informe causó entre los miembros del Consistorio, el julio de 1731 fue nombrado un nuevo rector para la escuela de San Tomas, Johann Mathias Gesner, eminente erudito y amigo de la juventud de Bach. Durante este tiempo, Bach mejoró mucho su situación gracias a la complicidad y la comprensión de Gesner. El 1734 Gesner se va a Gotinga y con su sucesor, Ernesti, vuelven los problemas para Bach.

Bach decide obtener la protección del Rey de Saxònia y solicitó repetidamente el título de Compositor de la Corte. Bach envió a Dresden algunos fragmentos de la gran Misa en sí menor. Finalmente, el 19 de noviembre de 1736 llegó a Leipzig, firmado por el rey August II, el tan anhelado nombramiento. Se trata de un título solo honorífico, pero que implica la protección real sobre Bach. A partir de este momento las autoridades de Leipzig, serían más prudentes a la hora de recriminar a Bach su trabajo. El año 1747 fue invitado a la corte de Federico II el Grande en Sanssouci, donde su hijo, Carl Philipp Emanuel, estaba al servicio del monarca como clavecinista de la corte. Cuentan que cuando el monarca fue avisado de su llegada, volviéndose a los músicos de su orquesta, dijo con cierto tono de impaciencia: "Señores: el viejo Bach acaba de llegar". Y dio órdenes para que el maestro se presentara inmediatamente en palacio. AL llegar dijo: "señores: poneos de pie, que el grande Bach está entre nosotros".

Bach murió a las 8 de la tarde del 28 de julio de 1750, tras una intervención quirúrgica fracasada en un ojo, realizada por el cirujano ambulante inglés denominado Taylor, que años después operaría a Händel, con resultados iguales. Bach había ido quedándose ciego hasta perder totalmente la vista. Pocas horas antes de morir la recuperó. Actualmente se cree que su ceguera fue originada por una diabetes sin tratar.

Aquí os dejo una de sus composiciones más "vanguardistas" del momento. La Tocata y fuga en re menor, BWV 565, es una pieza de música de órgano escrita por Johann Sebastian Bach en algún momento entre 1703 y 1707. (Su autoría e instrumentación son para algunos objeto de controversia, ya que ciertos estudiosos han propuesto que fue escrita quizá originalmente para violín por un compositor distinto.) Es uno de los trabajos de Bach más famosos del repertorio del órgano y se ha utilizado en muchos medios populares: ha sido utilizada por muchos artistas para dar impresión a sus obras ya sea en cine, anime,... Un ejemplo de ello es el videojuego Castlevania que ha servido a los creadores para ambientar el castillo del conde Drácula y, la verdad, no pintó nada mal.

Saludos

viernes, 21 de agosto de 2009

Los templarios

Hoy vamos a tratar algo de "historia". En concreto, veremos una Orden de Caballeros medievales que hicieron "mucho ruido" durante una larga etapa de la historia e incluso hoy día es símbolo para muchos de diversas "cruzadas". También han servido de inspiración a todo tipo de artistas. Esta Orden de Caballeros son los Templarios.

Son la primera orden de monjes militares de la historia. Los Caballeros Templarios se formaron en 1118, cuando un caballero de la Champaña, un tal Hughes de Payens, y ocho compañeros se comprometieron mutuamente bajo juramento perpetuo en presencia del patriarca, o soberano, de Jerusalén. Al principio sobrevivían de limosnas y fueron conocidos como los Pobres Caballeros de Cristo.

Los caballeros pronto adoptaron el célebre hábito blanco, proveniente de los cistercienses, al que añadieron una cruz roja. Inicialmente juraban proteger las rutas a Tierra Santa para los nuevos peregrinos que iban en tropel hacia Jerusalén desde Europa tras la Primera Cruzada.

Sin embargo. los Caballeros se convirtieron pronto en una base de poder por derecho propio, y se les fueron uniendo gran cantidad de adeptos, a pesar de la aparente austeridad de su regla monástica. Por aquel entonces, la Iglesia estaba muy a favor de los Caballeros. Sus propiedades estaban exentas de impuestos, se les colmaba de todo tipo de favores, no estaban sujetos a jurisdicción y ni siquiera tenían que pagar los diezmos eclesiásticos tan comunes en aquel momento.

Esto, a su vez, trajo como consecuencia una creciente antipatía hacia la orden por parte de ciertos sectores del clero secular. Su fuerza se vio reforzada por un despliegue de imponentes castillos construidos en Tierra Santa, los cuales servían a la vez como bases de la campaña militar y también como capillas a las que los monjes guerreros podían retirarse. El nombre de Caballeros Templarios parece aludir al hecho de que tuvieran su cuartel general en Jerusalén en la Cúpula de la Roca, en el Monte del Templo, que rebautizaron como Templum Domini. Muchos creían que ese sitio era el lugar en el que Salomón construyó el legendario Templo de Jerusalén, con su supuesto tesoro.

Las posteriores iglesias y bastiones que fueron construyendo los Templarios se hicieron tomando como modelo este emplazamiento, como fue el caso, por ejemplo, de la iglesia del Temple de Londres. Los Templarios gozaron del patrocinio de Bernardo de Claraval, el fundador de la Orden cisterciense, que defendió su causa ante todos aquellos que lo escuchaban dentro de la Iglesia.

Como resultado de ello, recibieron varias bulas papales, o notificaciones, que les confería poder para subir los Impuestos y los diezmos en las zonas que controlaban. Esto, a su vez, les otorgó poder y autoridad instantáneos. Uno de los primeros sistemas bancarios internacionales fue fundado por la Orden, y los acaudalados caballeros y terratenientes dejaban a menudo buena parte de sus riquezas en las seguras manos de la Orden.., a cambio de unos honorarios, por supuesto.

Finalmente, los Templarios llegaron a poseer extensas propiedades tanto en Europa como en Oriente Medio. En un momento dado, estuvieron a punto incluso de hacerse con el reino de Aragón, después de luchar en una campaña española. La Orden se ganó la fama de ser hermética y de estar obsesionada con los rituales, y esta reputación, hizo que sea acusada de herejía por la Santa Inquisición.

viernes, 14 de agosto de 2009

Blur: Song 2

Hace unos días me acordaba de mi época "underground", cuando salíamos por Salamanca por "El iguana", "Pippers", "Potemkim" y baretos de esa zona. Eran buenos tiempos, un poco preocupados por el futuro que se nos avecinaba pero nos sentíamos con fuerza para hacer cualquier cosa.
Ahondando en los recuerdos, hallé esta gran canción de Blur que nos hacía vibrar tantas noches. Y también de día ya que jugábamos al Fifa y Pro Evolution y en uno de ellos se encontraba como Banda Sonora del juego.
Buen ruido este para despertar y ponerse a mil por hora. Es recomendable ponérsela por las mañanas.
Saludos

martes, 11 de agosto de 2009

Tormenta eléctrica

El domingo noche, día 9 de Agosto, se vivieron por estos lares varias tormentas eléctricas.
Definición de tormenta eléctrica: Una tormenta (del germánico común sturmaz que viene a significar "ruido" o "tumulto") es un fenómeno atmosférico caracterizado por la coexistencia próxima de dos o más masas de aire de diferentes temperaturas. Este contraste asociado a los efectos físicos implicados desemboca en una inestabilidad caracterizada por lluvias, vientos, relámpagos, truenos y ocasionalmente granizos entre otros fenómenos meteorológicos. En el caso de las tormentas eléctricas, se caracterizan por la caída continua y numerosísima de rayos en márgenes temporales muy cortos provocando una luminosidad continua en el cielo.
Yo nunca había visto una "in situ" así que os dejo una grabación "casera", por tanto mala, de lo que vimos aquella noche.
Podéis amenizar el vídeo con el reproductor de música que tenéis a la derecha

video

sábado, 8 de agosto de 2009

La gran figura de Leonardo Da Vinci

Leonardo nace en la ciudad de Vinci, cerca de Florencia, el 15 de abril de 1452. hijo natural (ilegítimo) de Ser Piero di Antonio, notario de Florencia, y Caterina, quien casó más tarde con Accatabringa di Piero di Vacca, vecino de Anciano. Educado en casa de su abuelo paterno hasta que en 1469 viaja con su padre a Florencia quedando confiado a Verrocchio (1453-1488), quien se encarga de su formación pictórica. En su taller coincide con Perugino, Ghirlandajo y, probablemente, con Botticelli. De él tomó modelo Verrochio para su David del Museo Bargello.

De Leonardo podríamos decir muchas cosas como que fue el inventor del helicóptero; el autor de la Gioconda; sospechoso de practicar la pederastia; diseñador de las armas más mortíferas que hubiera podido haber en su tiempo, los cañones; un excelente tocador de lira, capaz de doblar con los dedos la herradura de un caballo; modelo, cuando era joven, para el David de Verrocchio y de viejo para el Platón de La Escuela de Atenas, de Rafael; y por mucho que pudiéramos decir en estas líneas seguiría siendo Leonardo un gran desconocido.

Leonardo fue pintor, escultor, ingeniero, arquitecto, físico, biólogo, filósofo, geómetra, botánico, modisto, inventor de juegos de salón y de utensilios de cocina, cartógrafo, autor de tratados de óptica, diseñador de jardines, decorador de interiores, urbanista, fundidor... Y en cada una de estas facetas sus capacidades asombraron a sus contemporáneos. Posiblemente no haya en la historia de la humanidad un hombre con un historial tan completo.

Leonardo aspiraba al conocimiento total, globalizante, pero no aspiraba a llegar a él por el camino del estudio de la revelación, como los escolásticos y los teólogos de los siglos precedentes, ni tampoco por el del razonamiento intelectual que bebe exclusivamente del saber de los autores anteriores. No fue escolástico ni se confió a ciegas a la autoridad de los autores clásicos, como hicieron muchos hombres del Renacimiento. Él mismo se definía como un "uomo senza lettere", porque, efectivamente, era iletrado. Ignoraba el latín. Su educación había sido otra: de niño le enseñaron simplemente a leer y escribir y a echar cuentas. Pero el latín, única vía de acceso en esos momentos a los estudios humanistas, lo aprendió, y por sus propios medios, siendo ya un hombre maduro; y lo mismo le ocurrió con las matemáticas, que estudió tarde, cuando las encontró necesarias para seguir avanzando. Sólo admitía como verdaderos métodos científicos la observación de la naturaleza y la experimentación. El conocimiento de los escritores antiguos tenía su utilidad como base, pero no como objetivo final.

Leonardo comprendió y utilizó el auténtico método experimental un siglo antes de que Francis Bacon filosofase sobre él, y antes de que Galileo lo pusiese en práctica. Leonardo no escribió tratados metodológicos, pero en sus cuadernos de apuntes nos dejó esparcidas sus ideas. Dice que las matemáticas, la geometría y la aritmética, pueden llegar a la certeza absoluta dentro de su propio ámbito, pues manejan conceptos mentales ideales de valor universal. En cambio, la verdadera ciencia (refiriéndose a las ciencias empíricas), se basa en la observación; si pudiera aplicarse a ella el razonamiento matemático podría lograrse mayor grado de certeza, siendo hoy en día, uno de los pasos fundamentales del método científico. "No hay certeza en la ciencia si no se puede aplicar una de las ciencias matemáticas".

En sus apuntes, Leonardo dejó constancia de la importancia que concede al método en la investigación (adelantándose a autores de la Modernidad tales como Descartes) y los preceptos que establece en su método en nada difieren de las modernas definiciones que hoy utilizamos para hablar del método científico. Podemos ver en estos textos una clara definición de los procesos de inducción y deducción que hoy explicamos en nuestras clases de Física o Filosofía.

"Al abordar un problema científico, dispongo primero diversos experimentos, ya que pretendo determinar el problema de acuerdo con la experiencia, mostrando luego por qué los cuerpos se ven obligados a actuar de ese modo. Ese es el método que hay que seguir en todas las investigaciones sobre los fenómenos de la Naturaleza"

"Hemos de consultar a la experiencia en una diversidad de casos y circunstancias hasta que podamos extraer de ellos una regla general que en ellos se contenga. ¿Para qué son útiles estas reglas? Nos conducen a ulteriores investigaciones sobre la Naturaleza y a las creaciones artísticas. Nos impiden engañarnos a nosotros mismos o a los demás prometiéndonos resultados que no se pueden conseguir".

Pensaba que la mecánica era la más noble de las ciencias "puesto que vemos que por medio de ella realizan sus acciones todos los cuerpos animados que poseen movimiento". Previó el principio de inercia, que después Galileo demostró experimentalmente, vio la imposibilidad experimental del "movimiento continuo"como fuente de energía, adelantándose en esto a Stevin de Brujas. Aprovechó el conocimiento de esta imposibilidad para demostrar la ley de la palanca por el método de las velocidades virtuales, un principio que ya enunciaba Aristóteles y que utilizaron más tarde Bernardino Baldi y Galileo.

Resucitó Leonardo las ideas de Arquímedes sobre la presión de los fluidos y demostró que los líquidos mantienen el mismo nivel en vasos comunicantes, y que si se llenan ambos vasos con líquidos diferentes, sus alturas de nivel serán inversamente proporcionales a sus densidades.

También se metió con la hidrodinámica. Escape de agua por los orificios, su corriente por canal, propagación de las olas sobre la superficie, etc. De las olas en el agua pasó a las ondas del aire y a las leyes del sonido, adelantándose a la moderna teoría ondulatoria de la luz.

En el campo de la astronomía concibió una máquina celeste ajustada a determinadas leyes, lo cual constituía en sí un avance sobre las ideas de Aristóteles sobre las esferas etéreas. Afirma Leonardo que la tierra es uno de tantos astros y promete demostrar en el libro que proyecta escribir, que la Tierra refleja la luz del sol igual que la luna.

Afirmó que dado que las cosas son más antiguas que los escritos, la Tierra lleva grabadas las huellas de su historia anteriormente a toda reseña escrita. Los fósiles que se encuentras ahora en las altas montañas continentales se produjeron en el agua del mar. Han tenido que producirse cambios en la corteza de la tierra, decía Leonardo; tienen que haberse levantado las montañas para ocupar nuevas posiciones. Se sirvió de conchas marinas encontradas tierra adentro para apoyar la teoría de Alberto de Sajonia sobre la formación de las montañas.
En su condición de dibujante, pintor y escultor, Leonardo sintió la necesidad de conocer a fondo la anatomía humana. Desafiando la tradición eclesiástica, se procuró muchos cuerpos, que luego diseccionaba, haciendo después unos dibujos anatómicos, que, aparte de su exactitud, constituyen verdaderas obras de arte. Sus mejores dibujos fueron de los huesos y los músculos, siendo muy claros y exactos los de la mano y el hombro. Otros mostraban la acción de los músculos. Estudió el ala y la pata de las aves, la mecánica del vuelo y la operación de diafragma en la respiración y la defecación. También realizó buenos dibujos de la placenta de la vaca, pero no tenía certeza sobre si las corrientes sanguíneas maternal y fetal estaban relacionadas o no. Una de sus proezas más ingeniosas, en este terreno, fue la de hacer moldes de cera de los ventrículos del cerebro. También realizó experimentos sobre la médula espinal de la rana, y concluyó que este órgano era el "centro de la vida".

Descubrió cómo la sangre recorre constantemente todo el cuerpo humano, llevando el alimento a cada una de sus partes y retirando los deshechos, adelantándose así al descubrimiento de Harvey sobre la circulación de la sangre. Estudió los músculos del corazón e hizo dibujos de las válvulas que parecen demostrar que conoció su funcionamiento. Su interés por el arte le llevó a estudiar otro problema científico: el de la estructura y funcionamiento del ojo. Realizó varios progresos pero tuvo el defecto, como sus predecesores, de creer que la función visual residía en el cristalino en vez de en la retina. Por supuesto, no se dio por enterado de la idea que aún tenían muchos de sus contemporáneos de que el ojo emite rayos sobre el objeto que desea examinar.

En sus investigaciones urbanísticas realizó un plano del sistema de desagües de una ciudad, y la construcción de esta en dos niveles: uno para peatones y otro para vehículos, " por la calle superior, escribe, no debería pasar ningún vehículo. Para los carros y las cargas (...) está reservada la calle inferior". En esta ciudad realiza investigaciones puntuales sobre edificios, como iglesias, ayuntamiento, etc., e incluye estudios concretos sobre el sistema de escaleras o instalaciones de calefacción.

Su devoción por el ideal de la medida se manifiesta en los instrumentos científicos que intentó mejorar o diseñar, como un reloj, un higrómetro semejante al de Cusa para medir la humedad de la atmósfera, un podómetro parecido al de Herón para medir la fuera del viento. Cuentan que Leonardo hizo un diseño de reloj despertador que muchos consideraban más como una broma que como un proyecto serio. Constaba de un platillo redondo sostenido por un tubo que funcionaba como una palanca de dos brazos. En el otro extremo del tubo había un platillo plano que contenía agua, de este extremo salía una cuerda que se ataba a los píes del durmiente. Cuando el platillo redondo se llenaba hasta la mitad, resultaba más pesado que el plano, y hacía oscilar éste, vertiendo el agua a través del tubo hasta el platillo redondo y tirando violentamente de la cuerda atada al tobillo del "bello durmiente".

Como ingeniero, son muchos los inventos atribuidos a Leonardo, desde un diseño para la fabricación de un helicóptero (modelo dotado de alas giratorias equipado con amortiguadores para conseguir un suave aterrizaje) o un vehículo automóvil hasta el común rallador de pan, pasando por una práctica sierra para mármol, una máquina para fabricar maromas, perchadoras de cardas para perchar el paño, modernas puertas de batientes para las esclusas, máquinas para tallar tornillos y limas; máquinas de guerra tales como el carro blindado, vehículo accionado mediante una manivelas que utilizan la fuerza muscular, y dotado de una coraza en forma de cono, las embarcaciones sumergibles (submarinos) o los trajes para buzos de combate; una máquina para pulir espejos, fusiles de repetición y una grúa móvil que facilitaría las labores de construcción, consiguiendo elevar pesadas cargas; su excavadora flotante pretendía conseguir que los ríos fuesen navegables; su molino de aire caliente, basado en el principio de la rueda de palas y en el aprovechamiento del calor residual, que se hace funcionar mediante un motor de palas que, instalado en una chimenea, gira a consecuencia de la ascensión de gases de combustión caliente. El mismo sistema será utilizado en otra de sus máquinas, pero haciendo que el motor sea movido por agua. Es un precedente de los medidores de caudal inventados más tarde. Sin embargo, ninguno de estos inventos pasó del estadio del diseño, ni fue utilizado, a pesar de que Leonardo no solo diseñaba extraordinarias máquinas sino que también se ocupaba de resolver todos y cada uno de los problemas relacionados con la construcción de las mismas.

Aunque Leonardo nunca llevó a efecto su mil veces aludido plan de escribir libros sobre las diferentes ramas de sus trabajos, es evidente que ejerció gran influjo. Como amigo de príncipes y estadistas, llegó a conocer también a todos los principales sabios de su tiempo. Es indudable que a través de ellos se salvaron algunas de sus ideas, que años después contribuirían a promover el nuevo desarrollo de la ciencia. Si tuviéramos que elegir un representante que encarnase en sí el verdadero espíritu del Renacimiento, habríamos de escoger la figura de Leonardo da Vinci.

Hombre de Vitrubio